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宋 佚名 海棠蛱蝶图 绢本设色 北京故宫博物院藏
写生是研习中国画的一个组成部分，是学习中国画过程中必须的训练环节，是最有效的一种学习方式和手段。
写生一词，从五代的滕昌祐最初提出“工画而无师，惟写生物”，到宋代画家赵昌，将鹰鸢养在笼中，日日观察。元代易元吉追着猿猴漫山遍野地跑，以及黄公望的“尽日观山”，董玄宰的“月下看山”，石涛的“搜尽奇峰打草稿”等等。都是“摹写”与“心记”的写生代表人物。
写生不仅是停留在写实、模仿和状物的层面，重要的是要“取舍”和“传神”。荆浩有云：“真者，气质俱盛”。历代名家寄情山川云水，鸟语花香之间，聊写胸中逸气，而后“超凡脱俗”便是从写生到创作转换的写照。苏东坡提出了“常形与常理”的问题，画家画自己思考的东西，理解的东西，熟悉的东西，来表达自己的所感所想，而不是拘泥于皮相。
对于大自然的机械描绘，以及以写生代替创作都是有问题的。
我们面对大自然，既要求写生的严谨与写实，同时还要有对古法写生的意象造型和理解。应当保持中国画典型的笔墨语言特点，认真体会中国画的写生精神，写意精神，澄怀味象，心师造化，回归中国画的本体。
气韵生动，骨法用笔，书写内美，塑造意境，追求品格，彰显笔墨精神是中国画的本质所在。纵观近年全国上下各种各样的展览，有的作品（甚至包括有些获奖作品），若论制作、色彩、装饰、工艺、技法以及视觉冲击力和图面构成效果等等都可圈可点，但若以中国画的本质要求来对照，那很多根本就不是中国画了，应该称之为装饰画、工艺品及各种材料混合的特效制作品。
写生是一种对描绘对象的瞬间抓捕，其价值在于快速性和即时性。主要锻炼画家对事物的观察力、理解力、概括力以及处理能力和分析能力。要将眼中的物象体现到画面上，必然要通过画家的主观处理，有别于照相机式的简单记录和表现。因此，通过写生还可以拓展我们的视野，深化我们对中国画更深层的了解，体会“自然与人文”、“传统与现代”的契合。
元代黄公望在《写山水诀》里曾写道：“皮袋中置描笔在内，或于好景处，见树怪异，便当模写记之”。其后的董其昌更是强调“读万卷书，行万里路，胸中脱去尘浊，自然丘壑内营”、“画家以古为师，已是上乘，进此，当以天地为师。”可见古人感悟自然的方式。
搜妙创真，澄怀味象。“妙”是客观存在的，也是画家的主观感受。“搜”是画家的主观意愿和实施行为的过程。“搜得妙”与“画得好”相辅相成，相互依存相互支持。登山临水，置酒吟咏。不师造化，不得天地之妙，也便无画中之妙。
写生是感悟自然，积累素材的一个重要环节。从写生到创作的过程很像酿酒，先得有稻谷和水，两者加在一起，适宜的温度环境下经过发酵，最后蒸馏出来的液体就不是水了，而是酒。所以通过写生，搜“妙”于天下，将自然万物变为胸中万物，将胸中万物变为纸上万物，这才是“画”。
再就是，我们学习了一段时间的传统之后要到大自然中去加以印证和消化，才能知道古人的这些画法是怎样从大自然中总结出来的，又是如何表现的。这个过程非常重要。只有从传统到自然，再从自然到传统，最终才能继承传统的同时又有所发展、创新。
中国画虽不求形似，但从绘画的角度讲，要求造型要到位，但这种到位又不是像照片一样的完全写实。造型的写实，应当从自然层面上升到艺术层面，这就要求我们在写生的时候，对所描绘的物象有一个充分的认识和理解，甚至包括它的生长习性、形态特征、象征意义等等，都要观察了解，烂熟于心；然后，加上自己的主观感受，“师造化，得心源”再呈现在画面上。照片式的到位，机械、简单，没有人的主观感受，只是生硬地再现，是对所绘物象的简单描摹，没有情感、没有思考、没有思想、没有笔墨、没有温度，这样的画自然是“索然无味”的。
所以，中国画一定得有主观的东西。只有主观的理解，主观的感受到位了，画才能到位。
中国画的写生，观察多于描绘。需要画家着重观察、体验，把握好客观物象的主要特征和精神气质，进行取舍提炼加工完成。写生时目识心追，重点在笔墨、布局、意境上下功夫。画稿只起加强记忆和为下一步创作提供积累素材的作用。中国画还有一种独特的写生方法，是“默写”法。即不用面对实物勾勒临写，而是把所见之景物默记于心中，回来后背着画出来。
中国画是主观感受，主观情绪的一种表达，她作为一种艺术形式，我以为等同于中国的诗词歌赋，无非中国的诗词歌赋是用文字语言表达，而中国画则是用水墨语言去表达。所以，中国画最终追求的是一种诗意的表达、一种境界的追求，有时候也可以是一种情绪的宣泄。每个人的感受不一样，理解就不一样，没有统一的标准。
绘事一道，首先要对此痴迷，要爱好，要全身心地投入；还要继承传统，发展创新。要大量的写生，要有生活；要行万里路、读万卷书；然后方可信手拈来、自如驰骋。
